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LA REVANCHE DU TOP 50

Global Techno

- 13 hours and 30 minutes ago

Texte : Jean-Yves Leloup

Version longue de l’article publié dans le numéro de Novembre de Tsugi

Autrefois ringards et souvent méprisés par la critique, pas mal d’artistes populaires des années 70 et 80 connaissent une seconde vie grâce à la nostalgie revendiquée, et l’intérêt parfois démesuré que leur porte une nouvelle génération de Djs, de musiciens et de bloggeurs. Queen, Space, Toto ou Rondo Veneziano méritent-ils tant d’attention ?

Il est une époque que les plus jeunes d’entre vous n’ont pas connu, ou alors à peine. Au beau milieu des années 80, en rentrant du lycée, l’esprit hagard, on jette une oreille paresseuse sur le Top 50 de Canal +, en espérant y entendre, au choix, le « Road To Nowhere » des Talking Heads, le « Pretty In Pink » des Psychedelic Furs ou pourquoi pas les beats syncopés de Run DMC. Mais le plus souvent, on doit se contenter des clips de Daniel Balavoine, Queen, Cindy Lauper ou Phil Collins, qui constituent à l’époque la bande-son officielle de ces années 80 volontiers pop et toc.
Depuis quelques temps, c’est un peu comme si l’on avait replongé, bien malgré nous, dans cette décennie de l’artifice et de la chansonette, cet âge d’or des refrains collants et des synthés gluants. En effet, de nombreux artistes, notamment en France, venus de la pop et de l’électro, issus de l’underground comme de la scène indépendante, ne cessent de se référer, parfois avec malice, mais plus souvent avec bienveillance, à toute une sphère oubliée ou méprisée de la culture pop de la fin des années 70 et 80. Lindstrom se projette en digne héritier du Space de Didier Marouani ou de Jean-Michel Jarre (le musicien le plus méprisé hier et le plus cité actuellement). Les Justice s’amusent à mixer le thème de La Boum, Balavoine et Julien Clerc. Certains Djs branchés terminent leur set avec « La serenissima » de Rondo Veneziano. Le parisien Data ou les nantais du collectif Valérie (Anoraak, Minitel Rose, College et leur amusant blog valériechérie) rêvent de Miami Vice ou du Tron de Wald Disney. Gonzales se prend pour Billy Joel. Todd Terje réhabilite Chris Réa. Ladyhawke doit beaucoup à Pat Benatar et avoue un net penchant pour Toto et Kim Wilde. Les Housse de Rackett, dignes mélodistes et fins humoristes, n’en commettent pas moins d’impardonnables fautes de goût. L’italo-disco est élevé au rang d’art majeur. Les Goblins sont considérés comme des génies. Et Sébastien Tellier roucoule comme au bon vieux temps de Midi Première.

Blue Eyed Soul & Rock FM
Toutefois, ce foisonnement de références, de clins d’Å“il et de plagiats, est loin d’être homogène. Il charrie à lui seul différentes esthétiques, à commencer bien sûr par une certaine imagerie 80, entre premiers jeux vidéos, consoles Amiga, Star Wars, joies du Minitel et typographie emphatique, cette époque étant considérée comme un âge d’or, à la fois naïf et utopique, de la naissance de l’informatique et de la modernité. Dommage collatéral à cet élan rétro-futuriste, ces derniers mois ont par ailleurs accueilli le revival plutôt innatendu d’un certain pompièrisme mêlant guitares héroïques et synthés planants (le drôle et néanmoins inquiétant « Synthétiseur » de Housse de Rackett), réhabilitant une figure comme celle deÂ Didier Marouani, maitre d’Å“uvre du très enflé, et plutôt gonfant, groupe Space. Mais c’est aussi une esthétique FM (en référence aux programmations des radios de l’époque) qui a plus récemment fait son retour, à travers la figure de la blue eyed soul (cette soul pop et 80 chantée par des groupes blancs comme Hall & Oates, dont on retrouve la trace sur l’album plutôt raté de Gonzales), ou encore une certaine tendance cool, rock et californienne (Eagles, America, Fleetwood Mac, Chris Réa), dont l’optimisme béat et l’excellence mélodique semble faire rêver plus d’un musicien.

L’effet Discovery
Fait amusant, les Djs, les artistes et les producteurs qui prônent ce retour aux bonnes vieilles valeurs mélodiques, réhabilitent tout ce contre quoi une grande partie de la critique rock des années 80 et 90 s’étaient dressé, les magazines comme le NME, le Melody Maker ou les Inrocks privilégiant plutôt à l’époque la concision de l’indie-rock, la tradition harmonique de la pop anglaise, la vigueur du punk ou la naturalisme du folk.
Dans cet étonnant renversement des valeurs, les Daft Punk semblent avoir joué un rôle capital, et ce même si des artistes comme DMX Krew (The Sound of the Streets en 96) ou Les Rythmes Digitales (Darkdancer en 99) les ont précédés de quelques années. En 2001, leur album Discovery se réfère en effet ouvertement et sans honte à une forme de sous-culture populaire, jouant avec les références hard-rock, les mélodies enfantines et les synthés héroïques. Au mépris du bon goût institué, les Daft parviennent alors à initier dans leur sillage, tout une nouvelle école électro et pop, une nouvelle génération prônant l’artifice et la nostalgie, et qui comme vous le savez, triomphe actuellement sur les blogs et les dancefloors. En 97, à l’heure de la sortie du premier album des Daft, une chronique publiée dans les Inrockuptibles, et restée célèbre, fustigeait avec violence les références populaires du duo. Depuis, c’est comme si tous les craintes exprimées dans cet article par son auteur, Christophe Conte, avaient fini par prendre vie. En effet,Â « Cet infâme connard de Giorgio Moroder » (selon les termes du papier) triomphe chez de nombreux Djs. « Herbie Hancock lorsqu’il faisait le pingouin avec ses robots (Rock it) » est un classique indémodable. Enfin, « certains tubes disco » signés Cerrone ou Ottawan, tout comme les productions « d’obscurs compositeurs italiens de BO kilométriques » constituent aujourd’hui les références culturelles et partagées de toute une génération.
Si cette tendance nostalgique rappelle bien sûr d’autres revivals que l’on a pu connaître au cours de l’histoire de la pop (l’esthétique des années 50 qui a par exemple marqué le début des années 80, de la BD jusqu’à la mode en passant par la vague rockabilly), ce mouvement récent n’est pas sans rappeler le retour de l’easy-listening initié dans les années 90. Au cÅ“ur des années rave, quelques dandys et passionnés (un groupe comme Stereolab, Ariel Wizman et Jean Croc, les britanniques de Karminsky Project ou The Sound Gallery Team) remirent en effet au goût du jour l’esthétique du cocktail et de la musique autrefois qualifiée d’ascenceur, une certaine idée de l’élégance et de la distinction, de l’orchestration et de la pompe, à l’heure où, un sifflet dans la bouche et les yeux révulsés, certains dansaient au fond d’un hangar au son de Jeff Mills ou Manu Le Malin, ou d’autres rêvaient de rejoindre sur scène, Oasis ou Nirvana.

Boney M contre Robert Wyatt
Cependant, notre époque possède ses propres traits de caractère. Nous vivons à l’âge du Net, du streaming et de l’instantané et nous avons désormais totalement intégré l’idée du sample, de l’appropriation et du détournement. Cette culture de l’accès, qui encourage une érudition forcenée et facilite la connaissance de notre patrimoine musical, a paradoxalement donné naissance à une forme de nivellement culturel. Todd Terje se réclame autant de Brian Eno que de Boney M, Sébastien Tellier se réfère à Lucio Battisti comme à Robert Wyatt et de nombreux jeunes bloggers se mélangent les pinceaux en mariant Level 42, Wham, Queen et l’électro la plus dynamique.
Au fond, ce type de brouillage entre bon et mauvais goût (supposés), cette méprise entre premier et second degré, entre nostalgie et provocation (rappellons-nous que des personnages comme Tellier ou Gonzales aiment à susciter la controverse), signale l’émergence d’une culture fonctionnant selon des codes entièrement neuf. Comparé au désespoir adolescent des années 80 (le punk, la new wave, tout ça...) ou à l’utopie naïve des ravers des années 90, une génération plus fun se distingue aujourd’hui, volontiers consumériste (les MP3 y sont quasi-gratuits et les baskets, coûteuses) et semble-t-il bien décidée à sortir du cercle infernal de l’underground dans laquelle l’électronique s’était enlisée, réfugiée ou préservée, depuis de longues années (Thomas Bangalter a par exemple souvent fustigé, et traité avec un certain mépris ce qu’il nomme « l’élitisme » de l’électro).
Cela étant, à ce business de la nostalgie et à cette esthétique du plagiat, qui frôle parfois le cynisme, on est en droit de préférer des groupes et des artistes qui, tout en s’inspirant des expériences du passé, perpétuent actuellement une tradition d’innovation. Ca tombe bien, toute une partie de la pop actuelle ne manque pas d’ambition et d’inventivité. Ecoutez Metronomy, Late Of The Pier, MGMT, The Chap, Of Montreal ou quelques autres, ils regardent tous vers l’avenir.

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